Noua expoziție a Muzeului Prado plasează fotografia istorică în centrul narațiunii sale , folosind aparatul foto ca fir călăuzitor pentru a înțelege modul în care artiștii și-au construit imaginea publică, mediul de lucru și memoria vizuală între mijlocul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Expoziția, intitulată „Universul artistului înainte de aparatul foto ”, invită vizitatorii să-i privească pe pictori și sculptori nu prin intermediul picturilor sau sculpturilor lor, ci prin intermediul fotografiilor care i-au surprins în viața lor profesională de zi cu zi.
Departe de a fi o prezentare anecdotică, proiectul se bazează pe colecția de fotografii istorice a Muzeului Prado , aflată în continuă creștere și încă relativ necunoscută, una dintre cele mai noi și mai mari secțiuni ale muzeului. Folosind o selecție de 32 de imagini, expoziția explorează modul în care apariția fotografiei a transformat reprezentarea artistului, punerea în scenă a studioului și documentarea procesului creativ pe o perioadă de aproximativ 80 de ani.
O expoziție de artă și fotografie în inima Muzeului Prado
Expoziția explorează relația dintre artă și fotografie din anii 1850 până în anii 1930, o perioadă în care aparatul foto a devenit un instrument esențial pentru surprinderea imaginii artistului și a împrejurimilor sale. Vizitatorii vor întâlni portrete individuale și de grup, vederi de studio și scene care surprind diferite faze ale procesului artistic, de la schițele inițiale până la lucrări aproape finalizate.
Accentul nu se limitează la prezentarea unor fețe celebre: selecția reconstituie o hartă vizuală autentică a ecosistemului artistic , unde academii, studiouri private, spații improvizate și decoruri în aer liber sunt toate amestecate. Artistul apare pozând solemn, relaxat alături de colegi sau cufundat în munca sa, în timp ce camera surprinde atmosfera studioului și obiectele care îl definesc.
Plasând aceste imagini în contextul european al secolului al XIX-lea, expoziția ne permite să înțelegem cum fotografia a devenit un mediu cheie pentru afirmarea identității și a statutului profesional . Portretul fotografic a devenit o carte de vizită pentru colegi, clienți, instituții și public, dând naștere unui limbaj propriu în care pozițiile, îmbrăcămintea și recuzita vorbesc la fel de mult ca chipurile în sine.
Expoziția se conectează, de asemenea, cu activitatea continuă a Muzeului Prado în domeniul fotografiei, continuând calea deschisă de inițiativele recente dedicate fotografiei ca memorie comună a muzeului . În acest fel, expoziția nu numai că scoate la iveală artiștii portretizați, ci și modul în care instituțiile de artă au integrat fotografia în propriile narațiuni.
În același timp, expoziția evidențiază faptul că aceste imagini sunt produsul unei rețele de fotografi profesioniști și amatori , unii foarte renumiți în timpul lor, iar alții anonimi. Perspectivele, tehnicile și resursele lor creează un mozaic în care se intersectează intențiile documentare, comerciale și, uneori, cele evident artistice.
Programul „Depozit deschis” și camera 60 a clădirii Villanueva
Expoziția face parte din proiectul „Depozitare deschisă” al Muzeului Prado , care își propune să prezinte lucrări din secolul al XIX-lea care sunt de obicei păstrate în depozite. Acest program are loc în Sala 60 a Clădirii Villanueva, un spațiu conceput pentru a oferi expoziții de format mic axate pe artiști, tehnici sau teme specifice.
De la deschiderea sa în 2009, această galerie a găzduit monografii dedicate unor figuri precum Sorolla, Rosales și Pradilla , precum și expoziții care examinează aspecte tehnice sau tematice legate de secolul al XIX-lea. În acest context, „Universul artistului înainte de cameră” este a doua expoziție monografică axată exclusiv pe fotografie din colecția proprie a Muzeului Prado, după expoziția „Prado multiplicat: fotografia ca memorie comună ”.
Formatul „Depozit Deschis” permite publicului să vadă lucrări rar expuse , în acest caz, printuri fotografice de epocă valoroase. Acestea includ cărți de vizită, cărți stereoscopice, printuri pe albumină, fototipii, cărți poștale și alte materiale care reconstituie prezența artiștilor în sfera socială și profesională a timpului lor.
Această linie de lucru contribuie, de asemenea, la lărgirea ideii tradiționale pe care mulți vizitatori o au despre Prado, asociată aproape exclusiv cu pictura. Importanța fotografiei în Sala 60 arată că muzeul își reexaminează colecțiile din perspective mai largi , în care materialele grafice și documentare câștigă relevanță pentru interpretarea secolelor al XIX-lea și al XX-lea.
În această nouă ediție a programului, curatoarea Beatriz Sánchez Torija este din nou responsabilă de selecție și discurs, articulând o lectură ce combină date istorice, valori estetice și analiza contextului , fără a pierde din vedere componenta umană ce reiese din fiecare portret.
Portrete, studii și scene de lucru: artistul în fața camerei
Nucleul expoziției este alcătuit din 32 de fotografii care oferă o perspectivă multifațetată asupra artistului ca individ și ca membru al unei comunități . Există portrete formale, poze de grup, imagini de studio și fotografii care se concentrează pe detalii ale procesului creativ, cum ar fi modele, mulaje intermediare din ipsos și pânze în diferite stadii de finalizare.
Una dintre lucrările care deschid expoziția este o fotografie de grup realizată în studioul lui Ángel Alonso Martínez , achiziționată de Muzeul Prado în 2012. Aceasta prezintă artiști asociați cu Academia Regală de Arte Frumoase din San Fernando pozând alături de unii dintre profesorii lor. Studioul mare, închis cu sticlă și acoperiș în două ape, demonstrează modul în care aceste spații funcționau ca locuri de muncă, formare și socializare.
Vizitatorii se pot opri, de asemenea, pentru a admira priveliști panoramice ale studioului lui Mariano Fortuny din Roma , construit din două panouri adiacente care abia dezvăluie îmbinarea. Studioul apare aproape ca un dulap de curiozități, plin de obiecte, lucrări, țesături și mobilier care vorbesc despre gusturile artistului și abordarea sa față de creație.
Expoziția include, de asemenea, imagini cu studioul lui Federico de Madrazo din Madrid , atelierul lui Luis de Madrazo și sculptorul Agustín Querol, alături de o alegorie a artelor destinată frontonului Bibliotecii Naționale. Alte fotografii prezintă artiști spanioli la Roma, scene din curtea interioară a Camerei Aurii a Alhambrei și momente mai relaxate, cum ar fi pictorii Jaime Morera și Agustín Lhardy costumați în bucătari.
Aceste scene dezvăluie că studioul artistului nu era doar un loc de producție liniștit, ci și un punct de întâlnire și o scenă construită cu grijă . Fotografiile prezintă totul, de la medii elaborate, aproape teatrale, până la spații mai austere, dominate de șevalete, sculpturi neterminate și grămezi de pânze.
Această colecție dezvăluie cum, în a doua jumătate a secolului al XIX-lea, vizitarea unui studio fotografic a devenit un eveniment social și profesional . În orașe, au proliferat așa-numitele „cabine de sticlă” - studiouri puternic iluminate, situate pe acoperișuri sau la etaje superioare, care profitau de lumina naturală pentru a îmbunătăți calitatea imaginii.
De la cartele de vizită la autocrom: tehnici fotografice și suporturi
Pe lângă conținutul iconografic, expoziția se concentrează pe evoluția tehnică a fotografiei între două secole . Expoziția include exemple de imprimeuri pe albumină, platinotipii, imprimeuri pe gelatină argintie și imprimeuri pe carton, alături de suporturi mai puțin obișnuite, cum ar fi imagini pe fier sau sticlă.
Unul dintre cele mai izbitoare aspecte este prezența unei singure fotografii color în cadrul colecției: o imprimare stereoscopică autochromă a sculptorului Miguel Blay, datată între 1904 și 1910 și realizată de un fotograf necunoscut. Este una dintre cele mai vechi imagini color deținute de Muzeul Prado, donată în 2020 și a fost creată folosind sistemul Autochrome brevetat de frații Lumière la începutul secolului al XX-lea.
În această imagine, Blay apare în aer liber, sprijinit pe un fundal de vegetație și fără a privi direct spre cameră, sugerând o relație de încredere cu fotograful. Verdele, albul și nuanțele pielii sunt dezvăluite atunci când lucrarea este iluminată în mod specific, adăugând o dimensiune aproape intimă întâlnirii dintre artist și subiect.
Expoziția evidențiază faptul că colecția de fotografie istorică a Muzeului Prado, formată în mare parte prin donații în secolul XXI, cuprinde peste 10.000 de piese și continuă să crească. În ciuda dimensiunilor sale, aceasta rămâne una dintre colecțiile mai puțin cunoscute ale instituției, ceea ce face ca proiecte precum acesta să fie esențiale pentru creșterea vizibilității acesteia.
În ceea ce privește formatele, există o abundență de cărți poștale de vizită și cărți poștale „Paris” destinate portretelor individuale, precum și compozițiilor de grup mai mari. Există, de asemenea, cărți poștale de promenadă, concepute pentru portrete în lungime mai stilizate, precum și exemple de cărți poștale sau fototipii care arată cum a circulat imaginea artistului dincolo de cercul strict profesional.
Artiști prezentați: de la familia Madrazo la Miguel Blay
Multe dintre lucrările expuse provin din arhivele unor artiști spanioli din secolele al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea . Printre numele proeminente se numără Luis și Federico de Madrazo, Dióscoro Puebla, Cecilio Pla, Miguel Blay, Agustín Querol și Mariano Fortuny, alături de alți artiști mai puțin cunoscuți publicului larg.
Saga familiei Madrazo ocupă un loc important, cu imagini ale studiilor și adunărilor de familie în spații emblematice . Una dintre fotografii înfățișează familia în curtea Camerei Aurii a Alhambrei, unde aparatul foto surprinde atât arhitectura nazaridă, cât și atitudinea relaxată a celor portretizați, printre care Cecilia de Madrazo și soțul ei, Mariano Fortuny.
În domeniul sculpturii, figura lui Miguel Blay capătă o importanță deosebită . Pe lângă imprimarea autocromă color menționată anterior, Muzeul Prado deține trei dintre sculpturile sale, iar expoziția include o fotografie a lucrării Eclosión en su estudio (Ecloziune în studioul său), realizată de fotograful Julio Torres Vivancos dintr-o imprimare cu gelatină argintie pe hârtie montată pe carton, datată 1904. Încadrarea, care prezintă o scurtare neobișnuită din spatele piesei, ne permite să apreciem detalii ale modelajului care trec neobservate într-o vedere frontală.
O altă imagine prezintă cartea de vizită a lui Blay la Expoziția Universală de la Paris din 1900 , unde portretul său apare în format carte de visite. Acest document ilustrează măsura în care fotografia a fost integrată în circuitele artistice oficiale, însoțind artiștii la concursuri internaționale și evenimente culturale majore.
Colecția este completată cu instantanee în care apar alți artiști în contexte diverse: sculptorul Agustín Querol alături de o alegorie monumentală a artelor, pictorul Benlliure portretizat alături de scriitorul Federico García Sanchiz în atelierul primului sau grupuri de creatori spanioli în studiouri din Roma, precum cel al lui Altobelli și Molins.
Prin intermediul acestor exemple, expoziția dezvăluie cum fotografia a acționat ca un aliat al pictorilor și sculptorilor , însoțindu-i în viața lor de zi cu zi, documentându-le comenzile și contribuind la păstrarea memoriei operelor lor și a celor care le-au făcut posibile.
Femeile artiste și prezența feminină în imagini
Într-un peisaj istoric dominat de figuri masculine, expoziția se concentrează pe prezența încă minoritară a artistei în fotografii. Deși fotografiile de grup realizate în ateliere și studiouri dezvăluie o absență aproape sistematică a creatoarelor, unele portrete individuale demonstrează că unele femei au reușit să pătrundă în această profesie.
Un exemplu semnificativ este portretul María Luisa de la Riva din studioul său parizian din jurul anului 1900. La 41 de ani, apare ținând o paletă și o pensulă, într-o imagine care o prezintă fără pretenții ca o pictoriță profesionistă care lucrează pentru a-și câștiga existența, nu ca o amatoare. Încadrarea și poza întăresc acest statut, subliniind autonomia și cariera sa.
De asemenea, este prezentă pictorița Fernanda Francés, fotografiată de Fernando Debas pe o carte poștală datată între 1875 și 1883. Acest format de portret mai stilizat, în lungime, contribuie la demonstrarea prezenței publice solide a artistului într-o lume care abia începea să-l admită în sfera academică și expozițională.
Alături de aceste nume, expoziția include imagini cu studente din atelierele lui Cecilio Pla și Manuel González Santos , o dovadă vizuală a modului în care unele femei au început să se integreze în educația artistică formală. Deși încă reprezintă o minoritate, apariția lor în fotografii indică faptul că schimbarea socială era deja în curs de desfășurare.
În schimb, printre cele 32 de piese selectate, nu au fost identificate fotografii semnate de o femeie , lucru pe care curatorul colecției îl consideră semnificativ. Nu este exclus ca unele lucrări ale unor autori necunoscuți să fie realizate de fotografe , dar, deocamdată, lipsesc studii care să confirme acest lucru, ceea ce deschide un câmp de cercetare neterminat privind autoria feminină.
O privire tehnică și istorică asupra a 80 de ani de fotografie
Perioada de timp a expoziției se întinde pe aproximativ opt decenii din evoluția fotografiei , din anii 1850 până în anii 1930. În această perioadă, au avut loc schimbări tehnice, comerciale și culturale care au avut un impact direct asupra modului în care au fost reprezentați artistul și mediul său.
În primele sale decenii, fotografia oferea posibilitatea de a surprinde cu acuratețe o realitate instabilă , lucru deosebit de valoros pentru cei care lucrau cu modele, decoruri complexe sau proiecte monumentale. Treptat, portretistica s-a impus ca unul dintre genurile majore ale noului mediu, asociat cu afirmarea identității și a prestigiului social.
Imaginile conservate arată cum ipostazele , obiectele alese și vestimentația construiesc un discurs vizual despre fiecare artist: unii se înconjoară de picturi și sculpturi pentru a-și întări statutul, alții preferă o scenografie mai sobră, iar există și cei care se prezintă în atitudini mai relaxate, aproape în complicitate cu fotograful.
În același timp, concurența dintre studiourile fotografice a stimulat diversificarea formatelor și a prezentărilor . Cartelele de vizită și cărțile de vizită „Paris” au facilitat circulația portretelor individuale, în timp ce formatele mari și compozițiile de grup au răspuns cererii din partea academiilor, asociațiilor și cercurilor profesionale.
Expoziția Prado sintetizează această istorie tehnică și socială printr-o colecție de piese, majoritatea fiind noi pentru public, și face acest lucru dintr-o abordare care combină cercetarea specializată cu accesibilitatea . Vizitatorii pot urmări firul acestor schimbări fără a fi nevoie să stăpânească jargonul tehnic, dar cu suficiente detalii pentru a înțelege importanța fiecărui progres.
Expoziția rămâne deschisă publicului până pe 5 iulie, în sala 60 a clădirii Villanueva a Muzeului Prado , oferind o oportunitate unică de a surprinde un capitol puțin văzut din istoria artei: momentul în care aparatul de fotografiat a devenit un aliat al artiștilor pentru a defini modul în care aceștia doreau să fie văzuți și amintiți.
Colecția de fotografii reunite în cadrul expoziției „Universul artistului în fața camerei” creionează un portret complex și nuanțat al vieții artistice dintre secolele XIX și XX: ateliere transformate în scene, artiști care se afirmă în fața obiectivului, tehnici în continuă schimbare și o colecție fotografică pe care Prado o scoate la iveală pentru a arăta cum imaginea creatorului a fost construită atât cu pensule și dălți, cât și cu plăci, negative și autocrome.
